El título Ekdysis (ecdisis, del griego) alude, en biología, al acto de “desvestirse o desnudarse” y remite al proceso de muda de piel que experimentan algunos reptiles y artrópodos. Alrededor de esta idea de cambio de estado se conforma la muestra, que se extiende por el espacio de la galería, ubicada en el Torreón del Convento de las Trinitarias Descalzas.

 

Natacha Voliakovsky ha desarrollado su práctica artística a partir de una investigación radical sobre su propio cuerpo, desde intervenciones quirúrgicas hasta acciones de resistencia que lo empujan al límite. Su práctica se articula desde la imperiosa necesidad de reconfigurar, a través del propio cuerpo, las marcas materiales y simbólicas del trauma. En su nueva serie, Reparar hasta deformar, el foco se desplaza más allá de esa corporalidad inmediata hacia un conjunto de obras que exploran esos procesos de reparación. En este contexto, el concepto de «segunda piel» adquiere centralidad, entendido como una extensión sensible del cuerpo y como archivo viviente donde cada cicatriz y cada marca no sólo remiten a una experiencia pasada, sino que actúan como fuerzas dinámicas que impulsan la necesidad de reconstituirse. Así, Voliakovsky concibe la reparación no como retorno a un estado originario de integridad, sino como práctica crítica de transformación y persistencia.

 

La artista propone una lectura de la historiografía de los cuerpos inscrita sobre y dentro de la piel, con especial atención a los cuerpos reproductivos como espacios atravesados por lógicas de violencia y extractivismo, aunque sin restringir su análisis exclusivamente a ellos. En este marco, presenta dos piezas realizadas con fragmentos de cuero desechados por la industria peletera. Dos estructuras de metal quirúrgico tensan con firmeza estos retazos despojados de su forma originaria, donde las huellas de traumas pasados se superponen y reactivan. Son cuerpos exhaustos, de los que, aun después de haber sido completamente vaciados, la violencia persiste como forma de presencia material.

 

Por otro lado, la obra expone la fijación en los procesos de curación, que conlleva el riesgo de que las cicatrices devengan queloides: la reparación se desborda por exceso, haciendo que la memoria del trauma se torne más visible y más punzante que el propio episodio traumático.

 

El interés de Voliakovsky por la transformación de objetos y cuerpos, junto con la visibilización de las suturas, reaparece en las fotografías, donde la tela roja, concebida como manto de cicatrices, se transforma en dos piezas textiles adicionales, en un proceso que podría leerse como intento de reparación por conversión.  

 

Por último, la serie de dibujos automáticos, realizados a mano alzada con tinta sobre papel, dialoga con el método de la escritura automática surrealista y genera figuras abstractas que parten de un ejercicio de imaginación del interior de las cicatrices, de todas las formas que se  encuentran bajo la piel.

 

La videoartista mexicana Cecilia Villaverde lleva años documentando las vidas de la comunidad trans y no binaria en México, Sudamérica y el Caribe, generando a través de su práctica un espacio para que ellxs cuenten sus historias. Este compromiso con la comunidad LGBT+ tiene sus raíces en la herencia cultural materna de la artista, originaria del Istmo de Tehuantepec; una región de Oaxaca donde se reconoce la existencia de un tercer género, la figura muxe, que no se reduce a las nociones occidentales de homosexualidad o identidad trans. En este contexto, Villaverde concibe la experiencia humana de habitar el mundo como un tránsito mutable en múltiples formas de existencia, capaz de desbordar los límites impuestos por el modelo social binario occidental.

 

La serie de retratos ELLXS, realizada en colaboración con el director de fotografía Mauricio Chávez, reúne veinticinco retratos en movimiento de personas pertenecientes a la comunidad trans y no binaria de Ciudad de México. En cada pieza, la persona retratada ejecuta un gesto mínimo, un breve movimiento que se repite en bucle de ida y vuelta, de forma hipnótica. Este ciclo ralentizado remite a las postales lenticulares de otra época, donde la ilusión del movimiento surgía de la oscilación de imágenes fijas y el gesto deviene así la forma de retratar.

 

Cinco de estos retratos en movimiento se presentan también como fotografías de gran formato, acompañadas de los textos que revelan las historias vitales detrás de cada una de las personas retratadas. Una de ellas corresponde a La Bruja de Texcoco, con quién Cecilia mantiene un vínculo especial y que protagoniza la última de las piezas: un documental en el que se narra, en primera persona, la historia de transformación de Octavio Mendoza en La Bruja de Texcoco. Se trata de un relato íntimo, poético y de gran belleza visual que Cecilia realizó junto a Alejandro Paredes Zatarain, por el que fueron premiados en varios festivales internacionales y que se muestra ahora por primera vez en Madrid.

 

La pieza documenta un rito de paso, una ecdisis de la que, como espectadores, somos testigos. Acompañamos el proceso de convivencia de las dos identidades, el despojamiento de las formas impuestas que configuraban la piel que se abandona, el estado liminar de vulnerabilidad que marca la exposición de la nueva piel y, finalmente, el impulso de afirmación que acompaña la emergencia de la nueva forma. 

 

En última instancia, los cuerpos hablan. Paul B. Preciado se refiere al “cuerpo hablante” como esa somateca en la que el discurso se hace carne y la carne produce a su vez nuevos regímenes de enunciación, en un bucle continuo entre lenguaje, técnica y materia. Lejos de ser un soporte mudo, el cuerpo aparece como archivo político vivo, lugar de inscripción de tecnologías de género, raza o sexualidad, pero también como superficie de desobediencia capaz de inventar otras narrativas de sí. En este marco, el cuerpo que habla no es solo el que toma la palabra, sino el que desbarata las ficciones normativas encarnando modos de vida disidentes.